La experiencia visual

por el 30/06/17 at 7:30 am

La Experiencia visual

Notas de la conferencia LA EXPERIENCIA VISUAL

Por Fernando Casanova y Llaca

LA EXPERIENCIA VISUAL.

“Érase una vez, un hombre que podía mirar el mismo fenómeno o el mismo objeto, ya como pintor, ya como naturalista, como físico o como poeta; y ninguna de estas visiones eran superficiales.”  Paul Valery

 

Vitrubio de Leonardo

 

¿Ha perdido el arte su finalidad de enseñar, comunicar y culturizar que tuvo en la edad media? ¿Qué valores mueven a la creación? ¿Cuál es el perfil del artista del siglo XXI? ¿Y el objeto artístico, ha desterrado definitivamente su aura a favor de lo efímero y provisional? Lo novedoso, ¿es novedad? Estas preguntas y otras muchas se encuentran a menudo demasiado cerca de lo que habitualmente llamamos Arte Actual. Un ámbito de transformaciones vertiginosas que viene a confirmar hoy más que nunca que Arte y Vida son conceptos inseparables, aunque no siempre podemos aceptarlos como tales, a ambos.

 

Cristo de Velázquez

 

 

Luis (Sisito) Desangles

 

¿Cómo mirar y entender el arte actual?. Desde una perspectiva lúdica pero al mismo tiempo reflexiva e inductiva, trataremos aspectos sobre el arte de hoy y su oferta como producto de masas.

Arte y artista, están en  proceso de redefinición en estos tiempos de redefinición de todo. Otros ámbitos, otros soportes, otros medios irrumpen para abrir ojos y mentalidades. El peso de la postmodernidad. El museo trajo el arte al gran público, pero luego “desmuseización” de la obra se convirtió en moda, y la moda se hizo arte.

Críticos, publicitarias y medios de comunicación están metidos a marchantes de arte, en plena competencia con autores, galeristas y museos, lo que hace que el producto sea visto de forma totalmente distinta, no sabemos si para mejor o para peor.

 

 

Los límites del arte actual:  Sociedad de masas y arte basura.

 

Andy Warhol`s iconic soup can

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La desaparición del objeto artístico y el nuevo modelo de mercado.

Críticos, galeristas, artistas, ¿el eterno circuito abierto a todo vale?

Arte y Vida. Un encuentro fortuito con el arte conforma una forma de vida, me viene a la mente el caso de Carlos Goico, que muy pequeño, hará unos 40 0 45 años, estuvo hojeando una revista de arte y desde ese momento hasta hace más o menos un año sólo se dedicó a eso sin ninguna instrucción formal, y yo que lo conocí desde niño les puedo asegurar que desde los 10 o 12 años sólo se dedicó a eso.

Goico en su estudio

 

 

 

 

 

 

La creación de una obra de arte y la percepción y comprensión de la misma, son dos actos de gran complejidad del espíritu humano. Una sola manera de describir cualquier acto puede ser satisfactorio para muchos; pero para una obra de arte existen muchas maneras diferentes. A partir de esta condición se presenta no sólo el poder y la fascinación que ejerce una obra de arte, sino también la posibilidad de dar forma a los diferentes enfoques para ayudar a aquellos que deseen ser amantes del arte o simples observadores sensibles a esas manifestaciones del espíritu.

Creo que la mejor opción para disfrutar el arte es empaparse de arte, ver, ver y ver obras de arte sin importarles las opiniones de críticos profesionales, de la prensa o de algún amigo. El ver mucho aclara la vista para poder discernir, para poder hacer comparaciones propias y, sobre todo, para que el arte haga su efecto en nosotros, que es el de transformar la forma de ver y mirar, para poder vivir mejor, con más calidad de vida.

La expansión de nuestra concepto sobre obra de arte es necesaria para ampliar e incluir todos los objetos, lo cual puede nos puede llevar a preguntarnos qué determina que un objeto sea digno de entrar en un museo dedicado a las artes visuales, y cual objeto no.

 

Marcel Duchamp

 

 

 

Marcel Duchamp. Mujer desnuda bajando una escalera

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Lo que nos entra de lleno en los conceptos más recientes sobre arte moderno y contemporáneo, el cual entró en revolución con la incursión de Marcel Duchamp y los surrealistas, hasta caer en Jeff Koons o Damient hirst.

 

Jeff Koons. Tiburón de 20 mios.

Jeff Koons

 

¿Cuáles, podemos preguntarnos, son los requisitos que debe cumplir un objeto para ser admitido en un museo de arte? ¿Qué principios se aplican a las pruebas selectivas que congregan dos objetos distintos, tales como una pintura y una silla? Al parecer, ambos tienen ciertas cualidades que hacen que su presencia sea deseable en un museo dedicado al arte. Sin embargo, a menudo tendemos a dejarnos llevar por lo comúnmente aceptado como obra de arte. Se puede decir de la pintura que se trata de un tipo superior de arte que la silla, o podemos usar el título de “artista” para ser aplicado a quien creó la pintura, y el término “artesano” para quien creó la silla .

 

 

 

Sillón Wassily de la escuela Bauhaus

 

Pero es poco lo que éstas clasificaciones tienen que ver con la determinación de si un objeto es digno de exhibición en un museo de arte. Es manifiesto para nosotros cuando realizamos esa distinción que con esa forma de pensamiento se puede hacer la selección sin que jamás hayamos visto la pintura o la silla. Y como vemos, ese método es un poco arbitrario de selección de artículos para un museo de arte. Los objetos creados por Dios y por el Hombre tienen su propia personalidad y valen como obra de arte si existe una mirada capaz de ver arte en su terminación, en su factura como dicen algunos.

 

 

 

 

 

EL ARTE

El arte en casi todas sus manifestaciones trata de contar algo, mostrar algo, sugerir algo, impresionar con algo o trascender con algo. Quien lo logré  tendrá que llevar la etiqueta de Artista, y eso ya conlleva toda una forma de ver la producción de ese” artistas”, la cual llamamos Obra de Arte. Entonces viene la pregunta de ¿qué es el arte?

Tendremos cientos de definiciones y cada uno de ustedes tendrá la suya; pero en este espacio y momento vamos contentarnos con decir que Arte es: La actividad humana que mediante instrumentos, técnicas y una visión particular del mundo crea formas, colores, sonidos e imágenes que hacen trascender al espíritu humano hacia estadios fuera de lo normal. Fíjense que no he dicho que crea cosas y sonidos bonitos o caros como lo definen más gentes de la que pensamos.

LOS ARTISTAS

Aquello que parecen querer abstraer la esencia de todo a través de un dibujo, una pintura, una escultura, una música o una estrofa, les llamamos artistas.

El Estilo: Es la forma y la habilidad con que el artista emplea sus herramientas y materiales para lograr un efecto determinado de expresión. La forma de utilizar los medios y soportes pueden tener un efecto sobre la calidad estética del concepto total del artista. Si le unimos todo eso a la experiencia del artista tanto en su aprendizaje como en su vida personal tendremos “El estilo del artista”.

Fernández Granell

 

ARTE DECORATIVO VERSUS ARTE DEL DESGARRO EXISTENCIAL

Pueden existir escuelas como artistas han existido. De hecho cada artista trascendente es una escuela en sí mismo; pero tenemos que aceptar y conformamos que existen varios grupos de “Escuelas” o tendencias en el arte. Las principales son:

NATURALISMO:

Es el acercamiento al arte en el que todas las formas utilizadas por el artista son esencialmente una representación descriptiva de las cosas visualmente experimentadas o vistas por el artista. El naturalismo, no contiene la interpretación introducida por el artista con fines expresivos, es más bien su representación tal cual aparece en la naturaleza.

ABSTRACCIONISMO:

Es un término dado a las formas creadas por el artista, que habitualmente se derivan de los objetos observados en la realidad o experimentados. Por lo general, implica una simplificación hasta sus esencias cromáticas o lineales, o un reordenamiento de los objetos naturales para satisfacer las necesidades de la organización en la expresión artística deseada por el creador. A veces hay tan poca semejanza con el objeto original que las formas no parecen tener relación alguna con nada que se ha experimentado en nuestra entorno natural. Una definición de Kandinsky viene dada por la anécdota que contó de que  “Una mañana, al entrar en mi estudio, advertí la presencia de un cuadro indeciblemente bello y que jamás creía haber visto antes. Me aproximé y vi que no era sino una de mis propias pinturas en el momento en que, recibiendo la luz del sol, se perdía la sustancia del asunto, en tanto los colores obtenían un brillo inédito”.
A partir de este momento relega el tema para dar paso al color.

REALISMO:

Cada pintor realista está contento con la apariencia natural de la cosa como el punto de partida para la interpretación. Es el realismo una forma de expresión que retiene la impresión básica de la realidad visual, y que, además, intenta relacionarla para interpretar los significados universales que yacen debajo de la apariencia superficial de las formas naturales. Una definición académica sería la de que es un sistema estético que asigna como fin a las obras artísticas o literarias la imitación fiel de la naturaleza. Gustave Courbet es ejemplo clásico de este movimiento

 

G. Courbet. Origen del mundo

 

La historia del arte está llena de historias de personajes del arte, algunos de ellos representantes de un arte bonito, decorativo, ideal para una sala de un decorador. Otros son personas llenas de problemas, atormentados o locos de atar,  el ejemplo más clásico de ello es Van Gogh. Y están los otros, los que se mueven entre las dos aguas, los que representan a la mayoría de la humanidad, los que se mueven entre el Bien y el Mal, entre lo bello y lo feo, esos que son como todos nosotros y que por lo tanto son más cercanos. El arte, el producto artístico de estos representantes de cada una de estas tendencias es lo que veremos a continuación.

PERO A VECES LOS DETALLES SON LOS QUE DECIDEN AL PINTOR:

1.-Andrew Wyeth: Uno ve sus detalladísimos retratos y piensa que el pintor ve o se inspira en un cuadro completo, terminado, y que luego empieza su trabajo minucioso de retratar con lujo de detalles eso que él vio como una foto instantánea; pero no, en el caso que vemos:

John wyeth. Bluzzard’s glory

 

Bluzzard`s Glory  el pintor comentó sobre ésta obra que él siempre veía a Johnny Lynch, el retratado, en su pueblo, que johnny era un tipo tosco, peleón, pero que a él lo que le llamaba la atención era otra cosa, era que, y cito: Yo, francamente, estaba intrigado por su pelo negro azabache. A menudo, mi interés en un tema proviene de algún detalle aparentemente insignificante. Como podrán ver, la gran cantidad de detalles, el gran trabajo del chaquetón, la luz que le da de frente, todo esos detalles para estar solo interesado en el negro azabache de la caballera abundante de Johnny

 

2.- Filippo Fondi: Otros artistas, como Filippo Fondi, introducen mínimamente ese pequeño detalle que les excita a pintar.

Filippo Fondi. Homenaje a Balthus

 

En esta obra vemos un desnudo frontal del cuerpo de una muchacha joven, la composición es la de un cuarto aparentemente de hotel, la muchacha prácticamente lampiña, rala; pero al fondo a la izquierda vemos la pulsión, el verdadero detalle que quería mostrar el artista, y es un uniforme de colegiala dejado en una mesita, todo lo demás es accesorio, y fíjense que el verdadero motivo apenas ocupa un 10 0 12 % del cuadro. Luego el título ya lo dice todo “Homenaje a Balthus”.

 

 

 

 

 

 

VINCENT VAN GOGH. EL EXPRESIONISMO EN SU FORMA MAXIMA.

Vemos en todos los casos que la expresividad de los elementos de la pintura provienen de la modificación de las apariencias naturales que le imprime el pintor y no de su capacidad de reproducir exactamente el mundo que le rodea.

Parece razonable que cuanto menos un pintor está obligado a reproducir la apariencia natural de las cosas mayor será su rango expresivo. Esto no quiere decir que distorsionar la realidad es la forma de éxito para expresarte, no; sino que algunos pintores este principio, quizás sin saberlo, les ha dado la plataforma expresiva con la cual pueden manifestarse con más claridad y fuerza. Nadie como Vincent Van Gogh para ilustrar esto.

 

 

Noche estrellada. Van Gogh

 

El Greco. Getsemaní

 

 

Calvario de José Cestero. Diptico 2ms X 2mx

 

No importa cuanta distorsión ha introducido el pintor en la obra, siempre permanecen elementos que pueden identificar el objeto, la persona o la cosa pintada o dibujada. Porque el expresionismo trabaja sobre cosas reales, solo que transportada al medio a través de la mirada del artista. La característica del expresionismo es esa, la de que presenta las cosas reales con la fuerza que tienen las pesadillas.

Y hablando de pesadillas, más de una vez hemos podido oír en una exposición de algún pintor expresionista la expresión de “Pero qué es esto, parece una pesadilla, que cosa más fea”. Y sí, el arte expresionista no es un arte para decoradores de interiores. Recientemente el pintor Rincón Mora nos dijo, con gran sinceridad y confianza en sí mismo, “mi pinturas son feas. Yo no hago, ni quiera hacer pinturas bonitas. Que las hagan otros, a mí no me interesa”. Es que se ha extendido mucho el término de que el arte es bello, lindo, y esa asociación de ideas lleva a una confrontación dura cuando te encuentras con obras como el retrato de Nora Maars de Picasso, los de Rincón Mora, Francis Bacon, El Greco, o Van Gogh. En esas obras no hay nada que un decorador de interiores pueda decir “Mira que belleza, le va ideal con aquella mesita de IKEA”.

De acuerdo con las definiciones de diccionarios el expresionismo es aquella tendencia en el arte que envuelve la libre expresión de las emociones a través de la representación de un objeto, persona o cosa. Pero esa libre expresión no es tan libre como podríamos pensar. Hemos venido señalando que todas las formas de la gran pintura se organizan en la composición, y ésta está lejos de ser libre, si libre significa espontánea y no calculada. Así que cuando decimos que la pintura expresionista es una expresión libre, tenemos que recordar que lo que puede parecer como una pintura muy libre todavía puede ser una muy calculada.

El expresionismo es un término nuevo, usado particularmente en conexión con el arte moderno, pero el principio de la distorsión de la forma y el color para expresar emociones aparece casi en todo lo que llamamos Arte Clásico o los Antiguos Maestro. Un ejemplo de ello es El Greco.

El Cristo en Getsemaní de El Greco, pintado hace unos 300 años antes que La Noche Estrellada de Van Gogh, es tan expresionista como la pintura más moderna, e incluso hace su efecto a través de distorsiones similares. En cuanto al tema se refiere El Greco está obligado a cumplir al milímetro la letra de la historia de la Biblia, pero lo trata de manera individual y expresionista. Cristo ora en el monte, levanta sus ojos hacia la aparición de un ángel. Las rocas, los trajes, las nubes, y los ejes diáfanas y los velos de luz se entremezclan hasta que, en algunos puntos, uno no puede distinguirse de otro. El elemento meses curiosidades en la imagen es la forma de cueva o un espejismo bajo la figura del ángel que encierra a los discípulos dormidos. Se muestran en actitudes extrañas, poco naturales, no lo que sugiere la calidad de sueño relajado en absoluto, sino más bien en lugar de un estado encantado o paralizado por arte de magia que le elimine como testigo de los acontecimientos divinos en curso cerca. La distorsión en los cipreses son incluso similares a la de la figura con túnica de Cristo. Ambas formas son alargadas en formas cónicas girando y girando en la intensidad de un esfuerzo alargamiento.

Composicionalmente Getsemaní y la noche estrellada emplean dispositivos sorprendentemente similares. Las diversas formas en las dos imágenes están unidos entre sí por turbulencias, se arremolinaban ritmos continuos sin interrupción entre el paisaje y el cielo, uniendo cielo y la tierra en armonía y éxtasis.

 

 

Noche estrellada de Van Gogh

Cuando vemos por primera vez la noche estrellada, ésta parece haber brotado en el lienzo desde su propia voluntad. El remolino de imágenes surgen con una energía feroz, muy lejos de nuestras asociaciones comunes y corrientes con lo que es una noche estrellada. En un rincón está la luna, pero  es tan ardiente como el sol. Y el cielo está lleno de estrellas que parecen estar dando vueltas, llenas de una fuerza interior que las hacen danzar bajo su propia música. En el centro de este cielo explosivo aparece una forma que no se puede identificar como una nube o como la cola de un cometa o incluso como la Vía Láctea, que se supone debería estar ahí. En tal cielo tal forma realmente no necesita ninguna explicación como algo natural. Se trata de una expresión, él se inventó su propia noche estrella en su mundo personal, bastante lejos de la verdad física de la forma que la inspiró.

 

ARTE CONTEMPORANEO

Nuestro tiempo ha creado lo que se ha venido en llamar “expresiones de bulto”. Y nada más bultero como el mal llamado arte contemporáneo. Cualquier simple reflexión sobre las instalaciones del arte contemporáneo actual nos lleva irremediablemente a figurarnos un circo, un carnaval ya que esas manifestaciones se están quedando sólo en eso, en payasadas carnavalescas, y no en la representación  del objeto moderno descontextualizado que visualizó Duchamp.

Esas expresiones, sobre todo las instalaciones, se han refugiado en el escándalo mediático, donde lo que más suena es el dinero pagado por una obra. Y ese escándalo mediático es el que crea al comprador mediático, al que busca hacer bulto exhibiendo, a través de compras exageradas y sobrevaluadas, una fortuna y unos recursos a los que es imposible llamar riquezas.La universalidad de la imagen artística no hay que buscarla fuera de la imagen creada.

Jorge Pineda.

El caos visual -provocado intencionadamente- por los “instaladores” contemporáneos, trata de confundir sólo con ruido visual. La imagen creada desde el punto de vista de un artista -que es una imagen autónoma, con un mundo propio- no tiene nada que ver con los aspavientos de multitud de significados diferentes, incoherentes e intrascendentes, que  por sí mismos no tienen vida propia, sino referencial a otros estadios del discurso visual.

La gran cantidad, aparatosidad y poca calidad de los materiales en que están ¨creadas¨ las instalaciones contemporáneas las llevan a preparar su propio certificado de defunción. Hasta hace poco tiempo muchas de esas instalaciones estaban destinadas a oscuros rincones de almacenes museísticos, pero ya no caben. Ahora hay que “documentarlas”, es decir, hacerles fotos, etiquetarlas y olvidarlas.

En arte es nula e intrascendente toda repetición. Parafraseando a Ortega y Gasset, se puede decir que cada estilo que aparece en la historia puede engendrar cierto número de formas diferentes, dentro de un tipo genérico. Pero llega un día en que la magnífica cantera se agota, se llega a un límite y se convierte en prisión de la que hay que salir. El mercado del arte -ahora dominado por publicitarias- ha hecho que un nombre, digamos Damien Hirst, Jeff Koons o algunos “creadores” locales, sea La Obra. Se conocen más sus nombres que sus producciones.

Perro Mirador Sur. Fernando Casanova

Perro Mirador Sur. Fernando Casanova

Se vende la firma, la marca, y nada más. De hecho, se podría cotizar a elevados precios a un artista inventado, inexistente, sin que nadie haya visto una sola de su supuesta producción, sólo mercadeando el nombre. Quieren crear en la nada. Quieren evitar las formas. Considerar el arte como juego y nada más. Y es que, como diría Azorín, para hacer otro arte, para crear otra estética, sería necesario crear otro mundo y otras gentes.

 

DE BIENALES E INSTALACIONES

Mary Shelley creó Frankenstein a partir de una idea puesta de moda por los románticos, de que la ciencia terminaría aborreciéndose a sí misma. En un reclamo del gólem le enrostra que “Tú, mi creador, quisieras destruirme, y lo llamarías triunfar.”  Algo así sucede con quienes insisten en presentar combinaciones de tonterías con ínfulas de contra-arte.

En la historia del arte siempre ha habido confrontaciones llevadas hasta extremos sobre qué es arte y qué no. Cuestionamientos argumentales y filosóficos del significado del arte.

En RD nos hemos estancados en las Instalaciones. Para muestra de lo lejos que se ha llegado, por la cobardía de no llamar las cosas por su nombre, podemos ver la obra ganadora del Gran Premio en la última Bienal de Santo Domingo. Aquello es un esperpento que uno se pregunta si los miembros del jurado comprarían una obra así con dinero de sus bolsillos. Premiarla y pagarla con dinero de otro, del Estado, queda muy rompedor y quienes premian eso se pueden creer que los vemos como gentes muy cultas, sensibles e inteligentes.

En un abrir y cerrar de ojos. Charo Oquet

 

Hace ya muchísimo tiempo Marcel Duchamp creó los –ready made-, aquello era parte de un concepto entre surrealismo y dadaísmo en el cual se intentaba un tratamiento de shock al concepto de arte de aquella época. Pero continuar con lo mismo ya no es repetitivo ni aburrido, es oligofrénico.

No se trata de no crear y experimentar cosas nuevas, que son parte de la riqueza de la cultura; sino que la continua repetición de lo mismo es casi endogámica. Quienes tratan de hacer ruido con el arte lo que están es enmudeciéndolo con tantas repeticiones de lo mismo. Nunca había sido tan ruidoso el silencioso arte de la pintura como en el Siglo XX. Picasso, Dalí, Duchamp, Bretón y todo el concierto de artistas rompedores que hicieron un renacer de la libertad en la creación; pero la tautología de sí mismo en versiones pobres no es buena noticia. Lo que fue un llamado a repensar se ha convertido en inmovilismo.

Un síntoma del daño que se le está haciendo a la creación con la premiación de los mismos bodrios todos los años es el hecho de que en la pasada Bienal no hubo propuesta en la categoría de escultura. Y es que es duro para un escultor, que tiene que hacer un diseño en dibujo, moldear, a veces dar color, trabajar muchísimo en detalles, y luego invertir dinero en materiales nobles, ni siquiera le pongan atención a su trabajo porque lo que queda bonito es ser un jurado que selecciona instalaciones de objetos desechables, imposibles de coleccionar, ni de generar ideas, sentimientos o admiración.

 

3 Responses to “La experiencia visual”

  1. Luisito

    May 31st, 2012

    Que pena que ya pasó, deberían repetir esto.

  2. Katherine

    Jun 1st, 2012

    Bien, muy bien.
    Kathy

  3. […] Conferencias sobre Arte en ARTEBERRI […]

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